◼ Composición de la imagen ↑

“La composición es un medio, no un fin, y la composición más perfecta no justifica una imagen irrelevante. La composición es una herramienta utilizada para mejorar la impresión que produce una imagen. Asumiendo que el contenido de la imagen y el tratamiento fotográfico son equivalentes, una fotografía bien compuesta tendrá una impresión mayor que una con una composición más débil. Ese es todo el secreto”, escribió Andreas Feininger (1906-1999).

Una imagen que vale la pena mirar no es (solo) brillante y nítida, sino que también tiene una composición y una estructura significativas en términos de la información del motivo y la imagen. Dependiendo del motivo y la situación, el fotógrafo dispone de varias herramientas de composición. En el siguiente capítulo se explica cómo se puede llevar a la práctica esta composición de imágenes, con la ayuda de algunos ejemplos.

◼ “Pars pro toto” ↑

Pars pro toto significa que una parte representa al todo. En términos fotográficos, esto quiere decir que encontraré y presentaré un detalle llamativo, algo que ofrezca una visión imperturbable de lo esencial. Mi motivo será inmediatamente reconocible y no se perderá en la imagen general.

Dejaré a un lado elementos de distracción que no tengan nada que ver con mi motivo o con el mensaje relacionado con la foto. Esto es comparable a un escultor que quiere tallar un busto a partir de una piedra: quita de la piedra todo lo que no está asociado con el busto, de manera tal que finalmente solo permanece el busto. Esto puede parecer simple, pero lo cierto es que no siempre es tan fácil en la práctica.

El arte de la fotografía es encontrar un detalle típico y resaltarlo. La imagen entonces se limitará a lo esencial y valdrá la pena observarla en particular, tal vez, incluso debido a la inusual proximidad y perspectiva.

¡Menos es generalmente más! No todas las fotografías necesitan mostrar el santuario de la iglesia en su totalidad, con los 220 asistentes al Servicio Divino. De vez en cuando también puede resultar interesante mirar a solo unos pocos o incluso centrarse en un solo individuo. Y estas fotografías no tienen que ser de tamaño real, sino que también pueden mostrar simplemente una parte. El detalle generalmente aumenta el atractivo de la imagen. En resumen: aunque se pueda recortar algo de la imagen, ¡puede que aún no sea lo suficientemente buena!

Como sucede generalmente en la vida, la práctica hace a la perfección. Aunque toda la gama de herramientas disponibles para la composición de imagen pueda parecer a primera vista abrumadora, a medida que se implementen estos consejos se reconocerán varios desarrollos. En otras palabras, paso a paso.

◼ Profundidad del campo ↑

“Si puedes ver, también puedes tomar fotografías, pero puede llevar un largo tiempo aprender a ver”, explicaba un eslogan publicitario del fabricante de cámaras fotográficas alemán, Leica.

La profundidad del campo describe el área de la imagen que está enfocada (desde el primer plano hacia el fondo). La profundidad del campo se determina por una combinación de la apertura y la longitud focal del objetivo.

Para uno u otro fotógrafo, la profundidad del campo es el elemento de estilo más importante en la fotografía, y no sin una buena razón. Utilizando el programa de apertura preestablecido “AV” (Canon) o programa “A” (Nikon, Sony, Panasonic), las imágenes se pueden crear de una manera especial.

Un objeto muy nítido, incluido en un primer plano, y fondo borroso, tiene un efecto especial y hace que la mirada del espectador se dirija hacia el mensaje real de la imagen.

Poca profundidad de campo (bajo foco): gran apertura, número f bajo. Cuanto mayor es la apertura (es decir, cuanto menor es el número f, por ejemplo: f1.2, f2.0, o f2.8), más difuso se tornará el objeto. El motivo se enfatiza especialmente usando este efecto. Lado positivo del efecto: usando este método se pueden remover fácilmente los elementos que distraen en primer plano o en el fondo.

Gran profundidad de campo (foco profundo): menor apertura, número f alto. Cuanto menor es la apertura (es decir, cuanto más alto es el número f, por ejemplo: f16, f20, f26), la imagen será más nítida en su profundidad general. Es decir que la imagen es nítida desde el primer plano hasta el fondo. Hay pocas o ninguna parte de la imagen borrosas. La imagen brinda el máximo de información. Al tomar fotografías con números f altos, se necesitará más luz (ya sea luz ambiente, iluminación con flash, o valores ISO elevados…).

◼ Luz y sombra ↑

“Ver la luz, comprender la luz, hacer la luz”, dijo Joe McNally (nacido en 1952), un fotógrafo americano cuyo trabajo incluyó fotografías para National Geographic.

El efecto y la calidad de una imagen dependen, en gran medida, de la incidencia de la luz y el color de la luz. El brillo general de una imagen tiene influencia en su efecto. Las fotografías abrumadoramente brillosas tienen un impacto más optimista y amigable que las oscuras. Las fotos con brillo le permiten al espectador reconocer mejor los detalles.

¿Cómo impacta la luz en el motivo?

Luz desde arriba
Área de imágenes plana y bidimensional, creada sin efecto espacial. Las sombras son cortas y oscuras. Con personas, las cuencas de los ojos se oscurecen y el mentón proyecta sombras. La luz desde arriba a veces crea un efecto antinatural y desfavorable en las personas que aparecen en la fotografía.

Luz desde el frente
En este caso es muy fácil tomar fotografías. Las sombras se crean detrás del objeto. Las personas en la foto pueden parpadear, dependiendo de la intensidad de la luz. Tener cuidado con nuestra propia sombra.

Luz desde un lado
Las sombras crean profundidad y un efecto tridimensional. Surgen áreas de contraste expresivo. Se enfatizan los contornos y las estructuras.

Luz opuesta
Si la fuente de luz está detrás del objeto, creará fuertes contrastes. Aparecen en el frente sombras oscuras, que puede que se tengan (o se necesiten) aclarar utilizando un flash. De otro modo, el primer plano permanece pobre en detalle y carece de contraste.

Sombra
Los rayos de sol directos pueden ser muy brillosos. Se crean sombras nítidas y oscuras. Los colores del motivo son mucho más intensos como resultado. Para evitar la luz solar directa, colocar el motivo en la sombra o cambiar la posición de la cámara.

◼ Imágenes condensadas ↑

„“Generalmente es solo la distancia lo que atrae a dos personas”, dijo la poeta alemana Annette Andersen (nacida en 1953). Presumiblemente, ella no estaba pensando en la distancia que surge cuando un fotógrafo elige por error una perspectiva equivocada.

Cuando dos personas que se conocen se paran una frente a la otra, mantienen una distancia de entre 60 y 100 centímetros, según las cuatro zonas de espacio interpersonal (Edward Hall, 1914-2009). Los amigos cercanos, miembros de la familia o las parejas pueden, por otro lado, acercarse mucho, dejando menos de 60 centímetros entre ellos. La distancia entre personas claramente simboliza cómo se relacionan entre sí.

En las imágenes, se pueden acentuar, o, por otro lado, subestimar (consciente o inconscientemente) la proximidad, la afiliación y la estima, dependiendo de una selección altamente individual de perspectivas.

Mi posición como fotógrafo decidirá si las personas son retratadas como meros conocidos o si merecen el título de “amigos cercanos” (y, en un sentido extendido, “siervo/hermano/hermana”), todo sobre la base de la proximidad entre sí. La distancia documentada fotográficamente es (por lo menos subconscientemente, si no de manera bastante obvia) la impresión que dejará la imagen en aquellos que la miren.

Independientemente de la distancia real, la porción de espacio entre personas en las fotografías puede parecer muy amplio o especialmente pequeño. Es importante tener conocimiento sobre este efecto. Como fotógrafo, las decisiones sobre mi perspectiva las tomo con cuidado.

Nada sorprende más al observador que un gran espacio entre dos personas que en verdad están muy cerca uno del otro en conversación. Si no quiero documentar ninguna distancia fotográficamente, evitaré “la tierra de nadie”. Ciertamente generaré la proximidad existente usando la perspectiva correcta y acercaré los motivos en la fotografía.

◼ Cambiar la perspectiva ↑

“Si su foto no es suficientemente buena, no está lo suficientemente cerca”, dijo Robert Capa (1913-1954), uno de los más famosos fotógrafos de guerra en el mundo, sentando así las bases hasta el día de hoy para el trabajo de muchos fotoperiodistas dedicados.

¡Acercarse! ¡Aún más! En muchas situaciones, esta es la fórmula del éxito para el fotógrafo.

La posición de la cámara, y por lo tanto la perspectiva seleccionada, es decisiva para el mensaje de la imagen, el motivo, las proporciones, las condiciones de iluminación y entonces también para la calidad general de la imagen. Ninguna edición fotográfica puede corregir lo que pierdo justo antes de hacer clic si tengo la perspectiva equivocada.

Vale la pena pensar por unos pocos momentos en la perspectiva correcta. También vale la pena fotografiar un motivo desde una segunda o tercera perspectiva. Como así también analizar la perspectiva de fotos ya terminadas y optimizarla para imágenes similares en el futuro.

Un clic es previo al siguiente clic. Y entre los clics hay movimiento. O bien se mueve mi motivo, de forma tal que mi segunda y tercera fotografía genera un mensaje diferente en sí misma, o yo me muevo como fotógrafo, y por lo tanto amplío la diversidad de perspectivas.

Las perspectivas tradicionalmente se clasifican en tres:

• Inferior (de forma extrema: vista de gusano, rasante). Debido a la perspectiva seleccionada, las personas en la fotografía parecen estar elevadas en un pedestal, ennoblecidas o levantadas (este efecto ocurre en particular cuando se usa el formato retrato).
• Normal (las personas fotografiadas están a la altura de los ojos).
• Super vista o vista superior (forma extrema: vista de pájaro). Las personas en la fotografía parecen trivializadas, pequeñas, incluso torpes.

◼ Emociones y sentimientos ↑

“El hecho de que una foto defectuosa (en sentido convencional) pueda tener mayor impacto emocional que una foto técnicamente impecable será un shock para aquellos suficientemente ingenuos como para creer que la perfección técnica por sí sola constituye el verdadero valor de una fotografía”, dijo el fotógrafo Andreas Feininger (1906-1999).

Una imagen debe cautivar al observador. Una imagen debe ser memorable.

La posibilidad de que una imagen sea descrita como digna de ser vista y extraordinaria aumenta cuando transmite emoción y captura un momento único en toda su originalidad.

No todas las fotografías en una serie de reportaje pueden cumplir con este requisito, ¿no es así? No obstante, cuantas más emociones se puedan reconocer, la gente mirará una fotografía por más tiempo y de manera más intensa.

¿Cómo logra una foto transmitir tal originalidad? Debe ser llamativa, extraña, triste, divertida, inusual, auténtica, inspiradora, original, informativa o conmovedora y, en cualquiera de los casos, única.

◼ Regla de oro/Regla de los tercios ↑

La posición del motivo en el centro de la imagen generalmente tiene un efecto aburrido o estático.

Una alternativa interesante en la composición de la imagen, en oposición al formato central, es acomodar al motivo siguiendo la Regla de oro o la Regla de los tercios. En ambos casos, el motivo (principal) se posiciona en uno de los cuatro puntos de intersección de las líneas.

¡Atención! No todas las imágenes necesitan estructurarse conforme a esta regla. No obstante, muchos temas (personas, animales, plantas, el horizonte, etc.) generalmente resultan más interesantes, intensos y armoniosos a partir de este posicionamiento.

Importante: al fotografiar personas, es importante elegir siempre el punto de intersección que produzca un espacio en la dirección de la mirada. En otras palabras, no acomodar las caras de forma tal que las personas reflejadas miren directamente hacia fuera de la foto dejando mucho espacio por detrás de ellas.

◼ Las cinco preguntas y el cómo ↑

“Una imagen vale más que mil palabras”, dice un antiguo proverbio.

Los periodistas aprenden que sus informes siempre deben incluir toda la información esencial. Para este fin, en el transcurso de su investigación o en la redacción de los eventos responden cinco preguntas, junto con el cómo.

Asimismo, los fotógrafos pueden responder estas preguntas al producir un reportaje y asegurarse de que sus galerías/fotografías contengan el máximo de información. A veces, un fotógrafo puede incluso tener éxito en capturar tanta información en sus fotos que no le quede mucho más por hacer al editor. Tomando como ejemplo un Servicio Divino, estas preguntas y sus respuestas podrían aparecer de la siguiente forma:

¿Quién?
¿Quién condujo el Servicio Divino? Una fotografía del portador de ministerio que ofició y los que colaboraron en el servir. ¿Quién participó del Servicio Divino? Una fotografía de los asistentes.

¿Cómo?
¿Cómo aconteció? Una fotografía (en detalle) del acto; fotografías que capten el ambiente/estado de ánimo.

¿Qué?
¿Qué sucedió? Fotografías de los componentes del Servicio Divino (llegada, música, prédica, actos, conversaciones, despedidas…).

¿Cuándo?
¿Cuándo se realizó el Servicio Divino? Fotografía de la iglesia o el salón desde el exterior (que también muestra el momento del día), foto de un reloj/un reloj pulsera.

¿Dónde?
¿Dónde tuvo lugar el Servicio Divino? Fotografía de la iglesia o del salón, foto de un cartel del lugar.

¿Por qué?
¿Por qué se realizó (de esta forma)? Fotografía de los carteles (anuncios) con referencia a un Servicio Divino en conjunto para varias comunidades, por ejemplo.

◼ Formato de la imagen ↑

El campo de visión de una persona sana corresponde al formato apaisado. Es posible que por esa misma razón las cámaras de casi todos los fabricantes produzcan fotografías en formato horizontal cuando se las apunta directamente hacia adelante. También estamos familiarizados con el formato horizontal del televisor clásico o el monitor de la computadora.

A continuación, se ofrece una visión general de los formatos de imágenes más utilizados y sus efectos:

Formato apaisado

• Corresponde a lo que la gente está naturalmente acostumbrada a ver
• Transmite paz y estabilidad
• Es el utilizado con mayor frecuenci

Formato retrato

• Más inusual, dinámico y dramático
• Admite las líneas verticales
• Documenta el tamaño, peso y poder, utilizando la altura
• Contradice la percepción natural
• Hace hincapié en los elementos reducidos de una imagen

Panorámico

• Relaciones de aspectos extremos
• Hace que los formatos horizontales y retratos produzcan una declaración más dramática

Círculos, elipses y polígonos

• Son inusuales y pueden utilizarse en casos individuales
• Este formato se desgasta rápidamente luego de usos repetidos

El formato más adecuado para publicar fotos en Internet es el apaisado. El panorámico y otros formatos especiales son difíciles de ver en galerías en línea.